Jurassic World III: Ein neues Zeitalter – Einer der großen Kinostarts 2022 und das merkt man auch daran, dass dieser Film offiziell schon seit Mittwoch in den Kinos läuft. Nach so viel Vorgeschichte ist die Neugier groß, wie die zweite Trilogie enden wird. Wer nochmal schauen will, wie und wo die Sage um Jurassic Park und World begann, der kann ruhig mal in den extra angefertigten Prolog von allem reinschauen.

Lieblingsfilm-Potential: Die Filme der Jurassic-Reihe gehören seit 1993 zu den ganz großen Filmen für die ganze Familie. Und da gehört auch Ein neues Zeitalter mit dazu. Doch was nimmt man neben Unterhaltung noch aus dem Film mit? Vielleicht die Frage, welchen Platz der Mensch in einer Welt mit diesen Dinosauriern finden würde. Und wer die Spitzenprädatoren sind oder sein werden.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Belle – In regelmäßigen Abständen zeigen unsere Kinos Anime-Filme. Und diese Woche startet Belle. Im japanischen Zeichentrickfilm geht es um ein Mädchen, welches sich in einer digitalen Welt verwirklichen will, abseits ihrer realen Probleme. Sie hat mit Gesang Erfolg, muss aber bald viel mehr leisten, um diese digitale Welt vor einem (möglichen) Störer zu schützen.

Unabhängig von der Story sind diese Kinoerlebnisse ganz anders als üblich. Diese Anime-Filme werden nicht primär für das Filmverständnis Europas oder den USA produziert. Man erlebt dadurch einen Hauch japanischer Kultur. Dazu kommt noch die Vorführungsvariante. Interessierte und Fans möchten diese Filme absichtlich in OmU (japanische Originalversion mit deutschem Untertitel) sehen. Und ich selbst nehme da auch gern diese Variante, auch weil ich es bisher nicht zu den japanischen Sprachkursen geschafft habe.

Im Film Der schlimmste Mensch der Welt möchte Joachim Trier (Regie, Drehbuch mit Eskil Vogt) nicht über eine gewisse schlimmste Person erzählen. Er greift beim Titel auf die norwegische Redensart „Ich glaube, ich bin der schlimmste Mensch der Welt!“ zurück. Diesen Spruch sagt man, wenn bei einem etwas einfach nicht klappen will. Im Leben von Julie, der Titelfigur des Films, klappt so einiges nicht, könnte man meinen.

Dieser Film ist hoch dekoriert – denn er schmückt sich mit zwei Oscars-Nominierungen (Internationaler Film, Originaldrehbuch) und ist Gewinner bei mehreren Filmfestivals. Doch was hat das zu sagen? Wie kommt man selbst mit solchen Filmen klar? Ich selbst habe da so manchmal meine Probleme, deshalb gehe ich gern in drei Schritte vor, oder soll ich „Kapitel“ sagen (der Film hat zwölf davon).

Prolog: Sich für den Film interessieren und neugierig sein. Kapitel 1: Den Film anschauen und die Filmkunst genießen oder auch manchmal einfach ertragen. Kapitel 2: Reflektieren, wie man selbst den Film empfunden hat und was die Macher mit dem Film aufzeigen könnten. Kapitel 3: Mit anderen diskutieren, vielleicht Hilfe bei den Kritikern und Filmemachern suchen und deren Sicht hinterfragen. Epilog: Akzeptieren, dass manche Filme für einen selbst nichts sind, für andere aber alles.

Das Schauen lässt sich im Juni und Anfang Juli leicht angehen. Das Metropol Chemnitz und Clubkino Siegmar haben den Film im Programm. Danach kann man überlegen, inwieweit der Film nur eine frei erfundene Geschichte oder eine beeindruckende Dokumentation von Joachim Trier über das Leben mancher 25-bis-35-Jährigen ist.

Lieblingsfilm-Potential: Dieser Film wird mir definitiv in Erinnerung bleiben! Ich konnte ihn in der Sneak-Preview im CineStar sehen. Obwohl diese Machart nicht meine allerliebste ist, war ich von diesem Hyperrealismus beeindruckt. Der Film fühlte sich so nah an der Wirklichkeit an, dass man denken könnte, die Geschichte stammt von der besten Freundin oder dem besten Freund.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Wie wäre es mit einem Kammerspiel? Letzte Woche lief ebenfalls in der Sneak-Preview der Film The Outfit – Verbrechen nach Maß. Irgendwie ist der Maßschneider Leonard Burling (Mark Rylance) in die Mühlen der Mafia geraten. Das mag auch daran liegen, dass die Mafia der Arbeitgeber einiger seiner Kunden ist und diese dessen Diskretion schätzen. So muss der Maßschneider eines Abends Verbrechernothilfe leisten. Dieser Film wird auch im Home Cinema funktionieren und es war eine Freude dem Spiel von Mark Rylance (u.a. Bridge of Spies, Dunkirk, Ready Player One) zuzuschauen, man könnte meinen die Rolle sei ihm auf den Leib geschneidert worden.

Hinweis zum norwegischen Zitat: Selbstaussage von Joachim Tier gemäß Interview beim BR

Das Timing passt: Vor wenigen Tagen erschien der erste Teaser-Trailer zum neuen „Mission Impossible“ (Teil 7 schon), der seinen Titelhelden erneut als unkaputtbaren Tausendsassa zeigt. Tom Cruise ist trotz seiner 59 (!) Jahre offenbar noch topfit und nach wie vor nicht bereit, auch nur eine einzige Liegestütze seinem Stuntdouble zu überlassen. 

Jede Actionszene mit Tom Cruise kitzelt diesen sensationslüsternen „Fast & Furious“-Nerv: immer absurdere Stunts und Settings gezeigt bekommen. Nur eben nicht mit CGI-Autos, sondern mit einem risikofreudigen und an superlativen interessierten Schauspieler. Sein Engagement für handgemachte bzw. „Mach ich selbst“-Action lassen andere Stars in ihren Franchisen (Bond, Marvel & Co.) schnell alt aussehen. Das alles gilt nun auch für „Top Gun 2: Maverick“. In Sachen „neue Action-Maßstäbe setzen“ lösen die Trailer ihr Versprechen nicht nur ein, sondern übertrumpfen sie sogar. Sämtliche Flug- und Kampf-Szenen wirken auf der großen Leinwand so viel intensiver, als ich sie hier beschreiben könnte. Ich hätte nicht erwartet, dass mir ausgerechnet dieser Film solche Momente beschert, in denen das Herz zwischen Gänsehaut und Adrenalinausschüttung in die Hose zu rutschen droht. Momente, bei denen man kurz vergisst, dass man einfach nur in einem Kinosaal sitzt und einen Spielfilm schaut. Solche Augenblicke des Mitfieberns und der Schnappatmung, die ich z. B. im Endkampf von „Avatar“, „Herr der Ringe“ oder „Endgame“ durchlebt habe, gibt es auch hier. Das liegt vor allem an der jederzeit spürbaren Gefahr in den realistischen Flug-Sequenzen, denn tatsächlich saßen die Schauspieler ja wohl in Original-Kampfjets, auch wenn in den waghalsigsten Szenen ausgebildete Armeepiloten die Steuerung übernahmen.
Für mich als Nicht-Kenner des Originals (Shame, shame!) funktioniert „Top Gun 2: Maverick“ übrigens trotzdem wunderbar, auch wenn so manche Anspielung bestimmt unter dem Radar verlief. Die emotionalen Anker und Motive aus dem Originalfilm sind eindeutig und ziehen sich bis zum Finale, bei dem zentrale Story-Konflikte mittels Dialogen aufgelöst werden. Solche ruhigeren Szenen, in denen sich Charaktere wortgewandt unterhalten, sind jedoch nicht alle von gleicher Qualität.
Spannend ist noch, dass der Film allen Patriotismus und auch jedweden politischen Hintergrund auf ein Minimum zurückschraubt. Das funktioniert gut und lässt Platz für die  „technische“ Seite der Mission; nur wenn bei der Einsatzbesprechung schablonenhaft „ein Schurkenstaat“ gesagt wird, wirkt das ein bisschen arg zurechtgestutzt. Das war aber auch der einzige Moment, bei dem ich mal kurz aus dem Filmerlebnis „rausgerissen“ wurde. 

Lieblingsfilm-Potential: Frisch aus dem Kino kommend, bin ich immer noch im siebten Fliegerhimmel; quasi wie weggeblasen von diesem Blockbuster-Feuerwerk. Wie muss es sich erst anfühlen, wenn man den ersten „Top Gun“ vergöttert hat? Fest steht: „Top Gun 2: Maverick“ kann man als neuen Lieblingsfilm wieder und wieder angucken, aber immer unbedingt auf der großen Leinwand! Ich merk‘ mir die zweite Sichtung für die Filmnächte vor.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Es gibt eine riesige Auswahl für unser Filmnächte-Programm, was aktuelle deutsche Komödien/Dramen angeht. Da etwas hochkarätiges herauszupicken, etwas mit Stil und einem Alleinstellungsmerkmal, ist die Herausforderung. „Alles in bester Ordnung“ mit Corinna Harfouch als Messi und Daniel Sträßer als Minimalist punktet auf jeden Fall mit einer spannenden Prämisse und einem tollen Trailer. Seht selbst:

In Leander Haußmanns Stasikomödie sind wir mit dabei, wie Ludger Fuchs sich an so einige besondere Momente im Zusammenhang mit der Stasi zurückerinnert. Und das alles nur, weil er sich seine Stasi-Akte hat übergeben lassen, denn diese soll dauerhaft für die Nachwelt archiviert werden. Doch am Wohnzimmertisch kommt es beim Einblick mit Frau und Familie zu Unstimmigkeiten und der zunächst verschwommene Rückblick wird Stück für Stück klarer und für uns Zuschauer interessanter.

Der Film ist vollgepackt mit Szenen, die viele bekannte und weniger bekannte Klischees der Stasi und der DDR abbilden und aufs Korn nehmen. Die unschönen Elemente der Real-Stasi-Vergangenheit finden in ausgewähltem Umfang auch Berücksichtigung. Und wir müssen uns überlegen, was wir von Ludger Fuchs halten sollen.

Nachdem der Film zu Ende ist, ist man ganz zufrieden, wie die Handlung abgeschlossen wurde, ja, man freut sich sogar für die Beteiligten. Doch darf das sein? Schließlich steht die Stasi für jede Menge Schicksale, die ein anderes Ende gefunden haben. Da kommt der Filmtitel Leander Haußmanns Stasikomödie noch mal ganz gelegen. Halten wir fest, dass der Film als Komödie zu verstehen ist und dass es Leander Haußmanns Sichtweise ist.

Lieblingsfilm-Potential: Wenn der Film dabei hilft, die Geschichte über das Ministerium für Staatssicherheit wieder in die Diskussion zu bekommen und der Film auch beim jüngeren Publikum dafür Interesse weckt, wie die Stasi im DDR-Inland gegen Menschenrechte und auch gegen die Verfassung der DDR verstoßen hatte, dann finde ich den Film sehr gut und wertvoll.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Wie wäre es mal wieder mit einem Film mit Tieren? Und zwar so als Roadmovie? In Dog – Das Glück hat vier Pfoten muss ein Hund von einer Militärbasis zur Beerdigung seines Herrchens gebracht werden. Obwohl man am Anfang des Films schon das Ende fast voraussagen kann, ist der Film recht angenehm. Es macht Spaß, die Entwicklung der belgischen Schäferhündin, die ja unter Kriegstraumata leidet, und ihres Reisebegleiters zu beobachten. – Da kann man nur hoffen, dass bei den Tierheimen kein „Hollywood-Effekt“ eintritt, weil vielleicht manch Zuschauer nun vorschnell sich einen Hund anschaffen mag.

Die zwölf sechs Geschworenen? Ja, irgendwie geht die Drama-Satire Eingeschlossene Gesellschaft in diese Richtung. Zumindest in der ersten Hälfte. Nur geht es nicht um eine Grand Jury in einem Mordprozess, sondern um eine ad-hoc einberufene Lehrerkonferenz bezüglich eines magischen Punktes für den Schüler Fabian. Denn schließlich geht es aus des Vaters Sicht um die ganz große Zukunft seines Sohnes und um Auseinandersetzung der Lehrer mit dessen Leistungen.

Obwohl die Aufgabe vom Vater ganz klar gestellt ist, muss das Lehrerkollegium erstmal intensiv über sich selbst Gericht abhalten. Da wird es unterhaltsam, welches Päckchen jeder so zu tragen hat.

Man darf diese Drama-Satire wirklich nicht zu ernst nehmen. Sicher, einige Schulen mögen einige Eigenschaften aus dem Film haben. Und möglicherweise haben einige Lehrer auch was auf dem Kerbholz stehen. Aber es gibt (hoffentlich) keine Schule, auf die alles gleichzeitig zutrifft. Dagegen wurde aber ein Filmende gefunden, was so gar nicht Drama-Satire ist.

Lieblingsfilm-Potential: Sönke Wortmann nimmt all die mit, die schon immer mal wirklich wissen wollten, was so im Lehrerzimmer diskutiert wird, besonders Freitag nachmittags. Und er baut so gut wie alle Extreme ein, die machbar waren, auch die anstrengenden. Wenn man aber den Film nicht so ernst nimmt, wie er anfangs erscheint, hat man ein spaßiges Filmerlebnis.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Bleiben wir im Schulalter. Geschichten vom Franz – Wie wird ein Junge zum Mann? Besonders wenn er kleiner ist und durch seine Haare nicht immer als Junge erkannt wird. Da gibt es so einige Ideen, Mitstreiter und Hilfen. Ein schöner (Familien-)Film mit Dialekt.

Wer, wie der Kinofilm-Beschauer, recht häufig, eigentlich sogar sehr häufig, ins Kino geht, dem werden immer wieder Filme unterkommen, die einen subtil in ihren Bann ziehen. Und dieses Erlebnis, von einem Film regelrecht aufgesogen zu werden, ist völlig unabhängig vom Genre; Blockbuster sind dazu geeignet, Animationsfilme und Dokumentationen, Musikfilme und natürlich die Arthouse-Sparte… die vielleicht sogar besonders.

Bei „Wo in Paris die Sonne aufgeht“, dem neuesten Streifen von Jacques Audiard (u. a. auch „Der Geschmack von Rost und Knochen“), war es wieder einmal soweit. Endgültig animiert und mit der nötigen Portion Neugierde versehen durch einen Artikel in der Frankfurter Allgemeinen Sonntagszeitung vom 3. April, der unter der Überschrift „Klassische Würde, rohes Leben“, dem Film Bestnoten ausstellte, tauchte der Kinofilm-Beschauer unversehens ein, in eine Welt (noch) junger Menschen, die sich ihrer Unentschlossenheit auf die Wahl des richtigen Lebensentwurfs (sollte es den überhaupt geben) bewusst sind und deshalb all ihren Gefühlen im Hier und Heute freien Lauf lassen.

Handlungsgrundlage für den Film bilden drei Kurzgeschichten des amerikanischen Comic-Zeichners Adrian Tomine. Regisseur Audiard siedelt den Film im auch und besonders von Migranten geprägten 13. Pariser Arrondissement an. Genau dort, im von unverkennbaren sozialen Spannungen geprägten Paris, lässt er seine Protagonisten auf die Suche gehen nach Glück, nach Nähe aber vor allem auch nach sich selbst.

Der Film lebt ganz besonders von vier Elementen. Da sind als erstes zu nennen die drei Hauptdarsteller: Noémie Merlant („Porträt einer jungen Frau in Flammen“) sowie Lucie Zhang und Makita Samba. Die beiden Letztgenannten sind absolute Newcomer. Alle drei geben dem Film diese unverwechselbare Leichtigkeit, die durch das zweite prägende Stilelement noch unterstützt wird. Es handelt sich um die Dialoge, die weder gekünstelt noch gestellt wirken; so sprechen Menschen in dem Alter der Protagonisten des Films; so sprechen sie in Frankreich, in Argentinien, Sambia, Deutschland, Russland, auf den Antillen… Das dritte und für den Kinofilm-Beschauer prägendste Stilelement besteht darin, dass der Film in Schwarzweiß gedreht wurde. Als irgendwann im zwanzigsten Jahrhundert die Schwarzweißfilme von Farbfilmen abgelöst wurden, glich das einem cineastischen Wunder. Heute gleicht es einem Wunder und öffnet den Phantasiehorizont für den Betrachter, wenn Filme in schlichtem Schwarzweiß auf die Leinwand kommen. (Was natürlich keineswegs heißen soll, dass der Kinofilm-Beschauer sich nun fürderhin alle Filme so wünscht.) Beredte Beispiele der jüngsten Filmgeschichte sind „Lieber Thomas“ oder „Belfast“, die ihre volle cineastische Wirkung nur vermitteln können, weil sie eben nicht coloriert sind. Und selbst das Stilmittel des temporären Rückfalls auf Schwarzweiß (siehe Quentin Tarantinos „Death Proof“) ist ja zwischenzeitlich etabliert. Und schließlich viertens sind es die Schnitte, die in einer fast chirurgisch exakten Dimension gesetzt sind; die mannigfaltigen Szenen mit erotischem Einschlag z. B. sind weder zu kurz noch zu lang…

Das Lieblingsfilm-Potential  ist für den Kinofilm-Beschauer dann besonders hoch, wenn es ihm nichts ausmacht, den Film auch immer mal wieder zu schauen (wie z. B. „Toni Erdmann“ oder „Once Upon a Time… in Hollywood“); nun gut, dieses Level erreicht „Wo in Paris die Sonne aufgeht“ vielleicht nicht. Aber dass ich ihn ein zweites Mal schauen werde, ist so gut wie ausgemacht; auf einer Skala von 1 bis 10 erreicht er garantiert eine 7…

Alternativ-Empfehlung der Woche (von Jens): Von Dienstag zu Mittwoch war’s, das Chemnitzer Cinestar lud zum Trippel-Feature mit Premiere-Feeling ein – Phantastische Tierwesen: Dumbledores Geheimnisse. Ja, es ist wieder Zeit für weitere Abenteuer in der Wizarding World. Begleitet Newt Scamander und seien magischen Geschöpfe beim besonderen Kampf Dumbledore gegen Grindelwald. Die Publikumslieblinge Niffler und Pickett dürfen nicht fehlen und übernehmen wochwichtige Aufgaben. Doch was/wer ist Grindelwald? Nachdem Johnny Depp die Rolle des Gellert Grindelwald abgeben musste, begeistert Mads Mikkelsen (in gewohnt) intensiver Art und Weise und wertet das Kinoerlebnis auf. Und da wären noch ein paar Romanzen zu klären, aber schaut selbst.

Nachdem in letzter Zeit die Super-/Antiheldenfilme eher zwei Stunden oder mehr an Länge hatten (The Batman fast 3 Stunden, Spider-Man: No Way Home 2½ Stunden und der kommende Doctor Strange in the Multiverse of Madness auch wieder 2 Stunden), kann man sich über die ca. 1:35 h von Morbius direkt mal freuen (ohne Abspann).

Ein interessanterer Aspekt ist aber die Diskussion, die Morbius unter Genre-Interessierten hervorruft.

Was bedeutet die Einführung eines neuen Super-/Antihelden für Publikum und Filmwelt? Wie aufwändig geht man da ran? Ich konnte gestern den Film sehen und fand ihn schon interessant, aber auch polarisierend. Vorweg muss ich sagen, man sollte schon für das Genre etwas übrig haben. Aufgrund der „Kürze“ ging es mit etwas Rückblick recht schnell zur Sache. Sachlich/ Fachlich erhält man die wichtigen Facts zu Dr. Michael Morbius und der Effektbereich hat auch gut abgeliefert. Aber der Film ist auch „gleich“ wieder beim Showdown angekommen, der passend zur Filmlänge die entsprechend Dauer hat.

Ich bin gespannt ob es für Morbius weitergehen wird. Auch die Community stuft den Film eher als „polarisierend“ ein. Im Abspann wurde zumindest eine Idee für die Fortsetzung eingebaut. Vielleicht steht demnächst etwas in der neusten Ausgabe des The Daily Bugle.

Lieblingsfilm-Potential: Aufgrund des Filmkonzepts hat es der Film bei mir nicht in die Reihe der Lieblinge geschafft. Erfrischend war aber, dass die Marvel-typischen Humorbeiträge weggelassen wurden. Mir hat auch gefallen, dass die eineinhalbe Stunden ruckzuck rum waren.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Für den Programmkinobereich freue ich mich sehr, dass zwei Bundesstarts auch in unseren Chemnitzer Kinos laufen. Das Metropol Chemnitz lässt uns mit Warum ich euch nicht in die Augen schauen kann (Trailer ansehen) die Welt durch die Augen eines dreizehnjährigen autistischen Jungen erleben. Nachdem das Buch schon ein Bestseller war, folgen mit dem Film die beeindruckenden visuellen Bilder. Das Clubkino Sigmar zeigt A Hero – Die verlorene Ehre des Herrn Soltani (Trailer ansehen). Ein interessantes Drama über die Maschinerie der Medien. Was passiert mit dem Umfeld und der nähren Öffentlichkeit im Laufe des medialen Focus, welcher auf einem gerichtet wird.

„Oscars, frische Oscars!“ Tjaja, es ist mal wieder Awards-Season – wie Pilze schießen sie aus dem Boden, die Trophäen und Statuetten unterschiedlicher Couleur. Die Oscars, so etwas wie der Trüffelpilz unter den Awards, werden hierzulande Sonntagnacht (vom 28. auf 29. März) „geerntet“. Die Oscar-Zeremonie ist in der Tat etwas für Feinschmecker und Masochisten: Es gilt nicht nur, trotz Gemeinsamkeiten („House of Gucci“) den Unterschied zur weniger genießbaren, gemeinen „Goldenen Himbeere“ zu erkennen; Europäer müssen sich durch die Sommerzeit (eine Stunde kürzer) und den Sendeplatz (2:00 Uhr MEZ) auch auf eine mitunter anstrengende, schlaflose Nacht einstellen (und Montag Urlaub nehmen!), wenn sie den Saison-Höhepunkt live miterleben möchten. Aber wer ist bitteschön so verrückt und macht das?! Haha… ha.

Dass Oscar-Saison ist, merke ich auch an der Sneak Preview. Die Chance für hochwertiges, oscarnominiertes Schauspielkino (statt Horror, Schnulze oder Klamauk) ist in diesen Wochen ungemein höher. So frohlockte ich auch, als der Überraschungsfilm neulich „Come on, Come on“ hieß – ein hervorragend bewertetes Schwarz-Weiß-Drama mit Joaquin Phoenix in seiner ersten Rolle nach „Joker“, dazu ein vielversprechender Newcomer (Woody Norman; den Namen merken!). Und tatsächlich: Trotz anfänglicher Skepsis war ich hin und weg von diesem Film. Nicht zuletzt, weil mich die darin verarbeiteten Themen wie das Elternsein, die Übernahme von Verantwortung oder der kindliche Blickwinkel persönlich begleiten werden.

Umso größer dann meine Verblüffung, als ich beim Wikipedia-Check „C’mon, C’mon“ (Originaltitel) gar nicht in der Liste der Oscar-Nominierungen vorfand. Genauso wird’s wahrscheinlich auch niemandem auffallen, wenn der Film bei den Chemnitzer Filmnächten in die „Oscar-Reihe“ einsortiert wird, hehe…

Dabei sind Schwarz-Weiß-Filme bei der Oscar-Jury eigentlich total im Trend: „Roma“ 2018, „Der Leuchtturm“ 2019, „Mank“ 2021, „Belfast“ 2022, um nur einige zu nennen… „Come on, Come on“ ist da weitaus zugänglicher, bodenständiger und authentischer als etwa „Mank“ oder „Roma“, die ich als verkopft und äußerst speziell in Erinnerung habe. Wenn aber Radiojournalist Johnny (Joaquin Phoenix) verschiedene Jugendliche zu ihrer Zukunft befragt oder sich mit seinem neunjährigen Neffen (Woody Norman) auseinandersetzt, entstehen natürlich wirkende Dialoge und interessante Dynamiken zwischen den Schauspielern, die noch lange nachhallen. 

Lieblingsfilm-Potential: Es fällt schwer, „Come on, Come on“ nicht zu mögen, wenn man sich auf das etwas langsamere Erzähltempo und das realistische Setting einlassen kann. „Ich mag solche Filme eigentlich nicht, da muss man immer über sein eigenes Leben nachdenken“, kommentierte meine Kino-Begleitung nach der Sneak – und sprach dem Film damit ein geheimes Kompliment aus. Wenn sich nämlich inspirierende Gedanken von der Leinwand auf den Zuschauer übertragen, ist das immer als Qualitätsmerkmal zu verstehen. 

Alternativ-Empfehlung der Woche: Bestimmt haarscharf am Oscar vorbeigeschrammt ist auch Michael Bay mit seinem Neustart „Ambulance“ – bei der wilden Verfolgungsjagd mitsamt Geiselnahme dürften Jake Gyllenhaal & Co. an so einigem vorbeischrammen und auch so einige Schrammen davontragen… Ein lauter Action-Thriller, nicht wirklich gemacht für die Awards-Bühne oder fürs schnucklige Programmkino, aber wie gemacht für die große Leinwand und den großen Popcorn-Eimer!

Es ist der Grund, weshalb ich den kleineren „Mia und der weiße Löwe“ angesehen habe, die große neue „Dr. Dolittle“-Verfilmung mit Robert Downey Jr. oder „Ruf der Wildnis“ mit Harrison Ford jedoch nicht: Sind die im Film gezeigten Tiere, die hier meist Dreh- und Angelpunkt sind, CGI-Ungetüme oder echte Lebewesen…? Die Produktion von „Mia und der weiße Löwe“ beispielsweise war äußerst aufwendig, denn sämtliche Löwen im Film sind tatsächlich Tiere aus Fleisch und Blut. Über die drei Jahre Drehzeit sollten die menschlichen Stars eine echte Beziehung zu ihren tierischen, langsam heranwachsenden Kollegen aufbauen. 

Wenige Jahre später produziert derselbe Regisseur (Gilles de Maistre) genau mit dieser Prämisse auch „Der Wolf und der Löwe“, der am 17. März 2022 startet. Ins Kino geschafft habe ich es dazu zwar noch nicht, aber fürs Ferienkino der Chemnitzer Filmnächte werde ich den Tierfilm definitiv ins Spiel bringen. Das Leinwand-Abenteuer scheint nämlich wieder eine herzergreifende Angelegenheit zu sein, die sicher gut für die ganze Familie funktioniert. 

Alles beginnt damit, dass Alma nach dem Tod ihres Großvaters in die kanadische Wildnis zurückkehrt, wo sie aufgewachsen ist. Kurz nach ihrer Ankunft rettet sie auf ungewöhnliche Weise einen Wolfswelpen und ein Löwenjunges. Doch das gemeinsame Glück wird bedroht, als eines Tages ein Ranger vor ihrer Hütte auftaucht…

Mich als Cineast (und Tierliebhaber) begeistert es, wenn mit echten Tieren gearbeitet wird – das Ergebnis auf der Leinwand ist um ein Vielfaches authentischer und eindrucksvoller. Ich möchte erleben, wie diese nicht-menschlichen Co-Stars ihre Rollen ausfüllen – auch wenn ich weiß, dass hier professionelle Tiertrainer am Werk sind und dass mehrere Tiere gemeinsam den Hauptcharakter im fertigen Film mimen. Mir ist zudem klar, dass das Thema „Tierschutz“ eine große Rolle spielt und häufig auch der (offizielle?) Grund ist, warum Studios auf CGI zurückzugreifen. Ich muss und möchte aber darauf vertrauen, dass die aktuellen Richtlinien in Sachen (Film-)Tierwohl alles Menschenmögliche umfassen, damit es den Tieren gut geht.

Lieblingsfilm-Potential: Auch wenn es keine revolutionäre Mensch-Tier-Freundschaft wie im dokumentarischen „Mein Lehrer, der Krake“ wird – ich erhoffe mir von „Der Wolf und der Löwe“ mehr als ein paar nette Landschafts- und Tieraufnahmen. Also ein potentieller „Lieblingsfilm“ gerade vielleicht für die jüngeren Zuschauer (und sei es nur für einen Sommer lang), so meine Einschätzung. 

Alternativ-Empfehlung der Woche: Bleiben wir animalisch, aber trotzdem weeeeeeit weg von echten Tieren bzw. deren real dargestelltem Verhalten: „Die Ganster-Gang“ ist Dreamworks verspielte Antwort auf die „Ocean’s Eleven“-Reihe. Komplett animiertes Heist-Action-Kino für Kids und Animationsfans und für die Zielgruppe sicher einen Blick wert.

Wusstet ihr, dass es nicht automatisch so ist, dass Kinder, die zwar nicht in den USA geboren wurden, aber juristisch sauber von amerikanischen Eltern adoptiert werden, dann auch die amerikanische Staatsbürgerschaft erhalten? Sodass sie im Erwachsenenalter plötzlich illegal sind.

Davon handelt nun auch „Blue Bayou“. Antonio LeBlanc (Justin Chon), gebürtig aus Korea und als Kleinkind von einem US-amerikanischen Paar adoptiert, hat mit seiner schwangeren Frau Kathy (Alicia Vikander) und deren Tochter aus erster Ehe (Sydney Kowalske) selbst eine kleine Familie. Auch wenn ihnen nur wenig Geld zur Verfügung steht, sind die drei recht glücklich. Als Antonio in einen Streit mit Kathys Polizisten-Ex-Mann (Mark O’Brien) hat, wird er verhaftet. Sein Status als US-Bürger gilt als ungeklärt. Da er nicht in den USA geboren wurde und sich seine Adoptiveltern nicht um eine Einbürgerung bemüht haben, gilt er als Ausländer, dem nun die Abschiebung in sein Heimatland droht. Nur war er seit über 30 Jahren nicht mehr in Korea gewesen. Mithilfe eines Anwalts, den sie sich gar nicht leisten können, versuchen sie, gegen das Urteil anzugehen. Doch dafür muss Antonio… Ihr wollt wissen, wie es weitergeht? Dann ab ins Kino – oder vielleicht im Sommer zu uns auf den Theaterplatz?

Lieblingsfilm-Potential: Der Film ließ bei mir an einigen Stellen schon die Tränchen kullern, allerdings ist er auch etwas überladen mit Kitsch und Klischees. Aber dieses Thema lässt einen nicht unberührt! Von daher: Anschauen ja, aber eher kein Lieblingsfilm-Material.

Alternativ-Empfehlung der Woche: „Jackass 3D“ als letzter echter Johnny-Knoxville-Streich? So damals die Aussage von den bekloppten „Jackass“-Machern, aber Pustekuchen: „Jackass Forever“ kommt 2022 mit neuem Irrsinn daher, der alles andere zu toppen versucht. Für die Fangemeinde sicher ein Fest!

Neulich beim Investorentreffen: Die ‚Dark Knight‘-Trilogie ist lang genug her und an den Ben-Affleck-Batman erinnert sich eh keiner – wir brauchen eine Neuverfilmung! Aber wie benennt man eine Neuinterpretation, von der es bereits etliche Versionen gibt? Das ist nicht James Bond, wo man bloß den Untertitel ändert. Auch kein Sequel – einfach „2“ ranhängen fällt also flach. Ein intelligenter Name, irgendetwas Originelles – was die jungen Leute abholt und wo gleichzeitig die Ur-Fans dahinterstehen. Möglichst ohne Verwechslungsgefahr! Und es muss sofort „Klick“ machen, wenn man über den Trailer oder Filmtitel stolpert.

„New Batman“! …Hmm, schon ganz gut… „Batman Begins (again)“! …Naja… „Batman and the Wasp“! …Äh, Moment… „Batman – Biss zum Morgengrauen“! …So dämliche Filmtitel gibt’s doch gar nicht… „Batman Resurrected! Revisioned!? Revival??!“ …Klingt alles zu verdächtig nach Reboot… Die Schreibweise mal ändern: „Bat-Man“! Badman!? …Geht im Marketing schief, aber die Richtung stimmt… Einfach„Bat“! Wie bei: „Kong!“ …Noch etwas zu kurz… „The Amazing Batman!“ …Fast… ICH HAB’S: „The Batman“! 

Na prima, das hat ja schon bei „The Suicide Squad“ hervorragend geklappt (sogar in unserer Programmbeirat-Tabelle steht der fälschlicherweise einfach als „Suicide Squad 2“ drin). Egal, der neue Batman von „Planet der Affen“-Rebooter Matt Reeves und mit „Twilight“-Opa Robert Pattinson soll also „The One and Only“ werden, unter allen Batmännern. Aber: Hat ein solcher 3-Stunden-Schinken gegen die beliebten Christopher-Nolan-Verfilmungen überhaupt eine Chance?

Kurzfassung: Ja, hat er. Auch wenn man sich in Sachen „Düsterness-Faktor“ bestimmt von der „Dark Knight“-Reihe und dem zuletzt erfolgreichen „Joker“ hat inspirieren lassen. 

Ich hab mich jedenfalls direkt in die Preview gesetzt – und will „The Batman“ unbedingt nochmal sehen, am besten im Original. Auf Spoiler oder einen Handlungsabriss verzichte ich mal (ihr schaut doch eh alle den Trailer!), also: „The Batman“ ist als Film dreckig, düster, hochspannend, dezent zu lang, exzellent bis mutig gecastet, audiovisuell bis in die Noir-Spitzen durchgestylt, reichlich gruselig, zum Glück eigenständig, teils komplex, angenehm CGI-arm, ziemlich fantastisch. 

Mir würden weitere Attribute einfallen, aber ihr versteht: ein richtig gelungener, wenn auch untypischer Blockbuster. Und ich bleibe vorerst bei Christian Bale als All-Time-Favorit-Fledermaus. Im Kopf bleiben mir vielmehr die außergewöhnlichen Performances von „Riddler“ Paul Dano und „Catwoman“ Zoë Kravitz (außerdem das Make-Up von Colin Farrell; den hätte ich in 100 Jahren nicht erkannt!!)

Lieblingsfilm-Potential: Wer Sitzfleisch beweist und keinen „Happytime“ Marvel-Humor braucht, könnte hier tatsächlich seinen neuen Lieblings-Batman finden. Für mich ist es jetzt schon einer der besten Filme des Jahres, den ich bei den Filmnächten Chemnitz wiedersehen will. Aber: „Joker“ hat mich mit seiner Intimität damals stärker vereinnahmt.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Mehr Herzschmerz und Sommerkino-Feeling gibt’s bei „Cyrano“; den hat Kollege Jens ebenfalls schon in der Sneak-Preview gesichtet. Die Musical-Verfilmung eifert mit um den „Bestes Kostümdesign“-Oscar. Auch in der deutschen Syncro sind die Original-Gesangseinlagen von Peter Dinklage (nunja, stimmlich vergleichbar mit Russell Crowes „Inspektor Javert“) und Haley Bennett (zauberhaft!) enthalten. Ein guter Gegenpart zu „The Batman“!

Der „Filmstart der Woche“ ist in dieser Woche etwas besonders. Zwei große Oscaranwärter haben Bundesstart:

„Belfast“ mit sieben Nominierungen (u. a. Bester Film, Regie, Nebendarsteller, Nebendarstellerin, Originaldrehbuch).

Und „King Richard“ mit sechs Nominierungen (u. a. Bester Film, Hauptdarsteller, Nebendarstellerin, Originaldrehbuch).

Und ich konnte beide Filme in den letzten Sneak Previews im CineStar bereits sehen.

Belfast, Nordirland…

…aber Nordirlandkonflikt, darauf war ich nicht vorbereitet. Nach den ersten Filmminuten war ich mittendrin. Wie soll der Film weitergehen? Um so erleichterter war ich mit der Zentrierung der Handlung auf den neunjährigen Jungen Buddy, der einfach versucht, weiterhin Kind zu sein. Aufgrund der Geschehnisse muss er sich aber auch den Erwachsenenfragen stellen.

Während der Film so im Gange ist und man sich trotz des Konfliktpotentials am Zusammenleben rundum Buddy erfreut, wartet man stillschweigend auf den großen Knall. Ja, es passiert schon was, aber Kenneth Branagh (Drehbuch & Regie) hat eine wirkungsvolle Lösung gefunden, auch für das Ende. Kenneth Branagh spricht selbst von „autofiktional“ und arbeitet seine eigene Vergangenheit mit ein.

Es ist spannend zu verfolgen, wie sich Buddy das Verständnis von Heimat erarbeitet und was er darunter versteht. Nicht unbeteiligt sind seine Großeltern, welche beide für die jeweilige Beste Nebenrolle nominiert sind (Judi Dench und Ciarán Hinds).

Als Schwarzweißfilm und häufig auch ein mit kleinen Brennweiten gedrehter Film, ist dieser Film ein cineastischer Genuss.

Nicht bloß ein Tennisfilm

„King Richard“ ist nicht nur ein Film über Tennis. Es geht um Familie, Ehrgeiz und (väterliche) Erwartungen. Will Smith spielt Richard Williams, den Vater u. a. von Venus und Serena Williams, sehr beeindruckend.

Vom Handlungsablauf her ist man neugierig, wie es zwei Schwestern zu einer solchen unglaublichen Dominanz im Tennis schaffen konnten? Wie fing alles an? Wir begleiten beide Schwestern und die Familie während ihrer Kinder- und Jugendjahre und sehen einen Vater, der ein Konzept, eine Vision und die Hartnäckigkeit besitzt, um das zu schaffen, was er will.

Bezüglich der Handlung gibt es viele interessante Momente und Meilensteine, auch welche, die nachzuforschen sind. Was ist mit dem Vater im Detail? Wie war seine Kindheit? Wie gefährlich kann es sein, die väterlichen Erwartungen und die möglichen Erwartungen aller schwarzen Mädchen auf seine Töchter abzuladen? Mit Hilfe des Films bekommt man aus einigen Szenen eine Ahnung darüber. Wir sehen aber auch den liebevollen Vater, der seine jungen Talente vor der Maschinerie des Profitennis schützt und das Familienleben hochhält.

Lieblingsfilm-Potential: Beide Filme sind großartig und reihen sich in ihren Genres ganz oben mit ein. Hoffentlich klappt es für ein paar Oscars. Mir gefällt an diesen beiden Filmen, dass man sich noch tagelang mit dem Inhalt auseinandersetzen kann, mit „Belfast“ geht dies natürlich viel intensiver.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Obwohl bereits zwei Filme erwähnt wurden, gilt es noch einen ganz besonderen Musikfilm zu erwähnen. Die Horrorkomödie „Studio 666“ erzählt uns, wie die Band Foo Fighters ihr zehntes Album „Medicine at Midnight“ aufgenommen haben soll.

Bei dem gruseligen Studio ist die Rede von einem Herrenhaus in Encino, Kalifornien, in dem die Foo Fighters tatsächlich das Album aufgenommen hatten. Und die Band behauptete damals, dass es Geistererscheinungen und gruselige Momente gegeben hätte.

Da sind wir doch gespannt, wie Dave Grohl & Co. das überstanden haben (sollen).

Spätestens seit Roberto Benigni im Jahr 1997 mit dem Streifen „Das Leben ist schön“ den schon fast revolutionären Versuch unternommen hat, dem nach wie vor Grauenhaften von Krieg, Vertreibung und Völkermord durch eine für damalige Verhältnisse gewagte, aber aus heutiger Sicht berechtigte Betrachtungsweise einen anderen, als den zerstörerisch-anklagenden Blick zu geben, scheint sich in der Cinematografie herumgesprochen zu haben, dass dies ohne Gesichtsverlust und vor allem ohne Grauen zu bagatellisieren möglich ist. Beredte Beispiele jüngeren Datums sind Filme wie „JoJo Rabbit“ oder „Als Hitler das rosa Kaninchen stahl“.

Nun hat der Film „Der Pfad“, eine cineastisch umgesetzte Geschichte auf dem Weg ins Exil, um Verfolgung und möglichem Tod in Deutschland zu entgehen, das Licht der Leinwand erblickt. Erzählt wird die Geschichte aus dem Blick des kleinen Jungen Rolf, der gemeinsam mit seinem Vater der bereits im Exil weilenden Mutter folgen will; schon bald aber geschieht das erwartbare Unglück und der Vater wird festgenommen. Nun ist Rolf allein auf sich gestellt, lediglich begleitet von einem ebenso kleinen Mädchen, das sich aber wenigstens in der Gegend auskennt. Mehr von der Handlung, die mit großer Ernsthaftigkeit aber eben doch aus dem Blickwinkel von Kindern den Weg weiter über die Grenzen schildert, soll nicht gespoilert werden.

Rolf wird gespielt von Julius Weckauf; spätestens bei dem Namen müssten sich bei vielen Cineasten bestimmte Synapsen verdrahten, denn Weckauf ist genau der, der mit „Der Junge muss an die frische Luft“ dem Drei-Käse-hoch Hape Kerkeling ein Kino-Kinderleben eingehaucht hat, welches wahrscheinlich Kerkeling selbst nicht einmal hatte.

Und der rezensierende Kinofilm-Beschauer kann alles, aber nicht verhehlen, dass auch in diesem Genre, das ja die Balance zwischen Ernsthaftigkeit und Augenzwinkern geradezu als Existenzberechtigung benötigt, Julius Weckauf alles rausholt, was sehenswerter Film zu bieten haben sollte (vielleicht, aber das ist nur ein klitzekleiner Einwand, ist er für die Rolle etwas zu füllig). Nun werden die Kritiker sicher wieder zu bemängeln haben, dass das Thema viel zu ernst sei, um seine Späße damit zu machen. Richtig, kann der Kinofilm-Beschauer dazu nur sagen, denn es macht auch niemand unangemessene Späße. Aber man darf ganz sicher belastbar davon ausgehen, dass bei aller Not, Pein, Trauer und auch Angst Kinder in damaliger Zeit eben einen anderen Blick hatten, so wie Kinder heute einen anderen Blick zum Beispiel auf eine Pandemie haben. Und nur das macht der Film deutlich. Und das tut er mit Fingerspitzengefühl, einem sympathischen Augenzwinkern und trotzdem nicht zu kurz kommender Ernsthaftigkeit. Das Urteil: gelungen und sehenswert.

Ach übrigens, ehe es in Vergessenheit gerät: Schön, dass es auch neben den Unmengen in „Denglisch“ bezeichneter Filme noch solche gibt, die genau so heißen, wie ihre Handlung verspricht – mit anderen Worten, der Name „Der Pfad“ ist ein zu dem Film passender wohltuender Nebeneffekt.

Lieblingsfilm-Potential: Da der Kinofilm-Beschauer nur recht wenige Filme kennt, die für ihn in diese Rubrik fallen, liegen die Hürden hier ziemlich hoch und um es offen zu sagen, überspringt diese Hürden „Der Pfad“ nicht. Aber auf einen Platz im guten Mittelfeld kommt er ohne Probleme…

In Zeitschleifen festzustecken fand ich in Filmen immer schon anstrengend – aber in der Realität!? Sei’s drum, here we go again, nach 10-wöchiger Zwangspause heißt es endlich wieder: „Endlich wieder Kino!“ … Und mit der Kultur kehren bald bestimmt auch die Filmnächte zurück, sobald Chemnitz‘ Innenstadt aus dem Winterschlaf erwacht.

Frei nach dem Motto „Keine Zeit zu spalten“ oder „Popcorn duftet auch durch die Maske“ wühlen wir uns als Programmbeirat derweil durch den Bäumchen-wechsel-dich-Kinokalender und stellen euch ab sofort wöchentlich eine aktuellen Filmstart vor – bevorzugt aus dem Kino, oder auch mal aus dem „Schtriem“ (oder wie dieses neumodische Format heißt).

Vielleicht werden unsere Tipps ja in einer traumhaft-lauen Sommernacht bei den Filmnächten 2022 gezeigt, wer weiß…?

The Show must go on!

Knallbunte Animationswelten, tierische Gags und mitreißende Popsongs, die man schon nach dem Trailer nicht mehr aus dem Ohr kriegt… Ich denke, als Alltags- und Pandemie-Ausflucht hätte es kaum besseres Feelgood-Material zum Kinoneustart geben können als einen Film wie „Sing – Die Show deines Lebens“. Die Fortsetzung des Animations-Hits verspricht kleinen und großen Musik-Fans ohne „Angst“ vor FSK0 eine richtig gute Zeit im Kinosessel zu bescheren (falls es sie darin hält!). Am 20. Januar öffnet sich der Vorhang für den familienfreundlichen 110-minütigen Streifen von Universal Pictures.

Die Story beinhaltet neue Herausforderungen für Koala-Theaterchef Buster Moon, die offenbar krasseste Musik-Show seit Kaiser-Mania und jede Menge Liedtexte, Leidenschaften und Lampenfieber. Verzeiht, dass die Inhaltsangabe derart knapp ausfällt, aber viel mehr braucht so ein Film nicht, um zu funktionieren!

An den Weihnachtsurlaub 2016, als ich „Sing“ in unserem schnuckeligen Kleinstadt-Kino sah (Grüße nach Finsterwalde!) und mich musikalische Glücksgefühle ergriffen, erinnere ich mich super gerne.

Der Soundtrack war anschließend ein ständiger Begleiter in meiner Youtube-Playlist. Und noch heute überrascht mich, wie von Elefanten-Damen gesungene Cover-Songs aus einem kindgerechten Animationsfilm Gänsehaut zu erzeugen wissen… Ähnliches erhoffe ich mir von „Sing 2“: Dass er mit seiner audiovisuellen Energie eine beschwingte Stimmung aus vor-pandemischen Epochen heraufbeschwören kann, dass er sprechende Tieren menschliche Emotionen übertragen lässt, dass er einfach Freude macht! Mit von der Partie sind übrigens auch wieder tolle Sprecher wie Bastian Pastewka oder Peter Maffay.

Im Vergleich zu Disney- & Pixar-Musicals ist es übrigens erfrischend zu hören, dass die englischen Songs nicht umständlich eingedeutscht werden und dass der Wiedererkennungsfaktor der Genre-übergreifenden Musik nicht nur bei Charts-Kundigen hoch sein dürfte.

Und wird „Sing 2“ auch den Theaterplatz rocken? Bestimmt bietet sich in den Sommerferien ein melodisch-launiger Vorabend an, den man problemlos mit oder ohne Kinder erleben kann! Bis dahin ist’s ja aber noch hin, also: Mit „Sing“-Playlist eingrooven, Maske rauskramen, ab ins Kino!

Lieblingsfilm-Potential: Aufgrund seiner leichten Zugänglichkeit sicherlich hoch, schließlich funktioniert „Sing 2“ auch ohne Vorkenntnisse des ersten Teils.

Alternativ-Empfehlung der Woche: Wer nicht auf Animation steht, ist mit Guillermo del Toros neuestem Werk „Nightmare Alley“ gut beraten – ein laut Kritiker-Echo exzellentes Krimi-Noir-Märchen für Erwachsene mit Bradley Cooper, Cate Blanchett und weiteren Stars!

„Stell dir vor, es ist kein Kino und es dürfte sowieso niemand hingehen…“

Für mich ein echtes Horrorszenario, das 2020 mehrere Monate lang eingetroffen ist. Zugegeben: Zeitweise habe ich den Friseur noch schmerzlicher vermisst als den Geruch von frischem Popcorn. Und Netflix hat mir im Quasi-Stubenarrest mit „Tiger King“ oder der dritten Staffel von „Ozark“ gut über die Runden geholfen.

Genug von Autokino und ‚guilty pleasure‘ im TV, wir wollen echtes Kino zurück!
 

Von der Coronakrise waren und sind wir alle betroffen – als Einzelpersonen, als globale Gesellschaft, aber auch innerhalb unserer jeweiligen Branche. Nicht nur Tourismus, Einzelhandel und Gastronomie, auch die Kulturschaffenden, zu denen ich Kinos und damit auch die Filmnächte zähle, werden noch länger an den Folgen zu knabbern haben. Und in die Zukunft kann (leider? zum Glück?) niemand blicken, der nicht gerade eine Handvoll Infinity Stones oder einen DeLorean besitzt.

Mut macht, dass allmählich Filmproduktionen wieder aufgenommen werden und auch viele Kinobetreiber im Land aufzuatmen wagen (dass es für einige Häuser wohl nicht für einen Wiedereinstieg nach der Krise reicht, ist besonders für regionale Communitys eine bittere Wahrheit).

Inzwischen zieht es die Menschen in Deutschland aber wieder nach draußen, auf der Suche nach Ablenkung, Geselligkeit und Kultur. Das alles bekommen wir von Mitte Juni bis Ende August auf dem Theaterplatz geboten – inklusive Sternenhimmel. Nach all den Sorgen, vorgelegten Hygiene-Konzepten und Krisengesprächen muss das jetzt mal LAUT gesagt werden:

Toll, dass die Filmnächte Chemnitz 2020 stattfinden können! Was es zu beachten gibt, lest ihr in den FAQs.

Ein eingeschworenes Team!

Die volle Dosis Filmmagie – monatlich zuzuführen

Als Mitglied im Programmbeirat freue ich mich besonders über den vorverlegten Startschuss und begrüße das neue „Filmnächte Pur“-Konzept: 74 Open-Air-Abende durften wir für euch füllen – und jonglieren, grübeln und „testschauen“ noch immer, denn diesmal wird das Programm monatsweise veröffentlicht und tagesaktuell ergänzt.

Über mehr Filme freuen sich übrigens auch alle Besitzer der neuen „All you can watch“-Dauerkarte, die ihr natürlich auch jetzt noch erstehen und damit den ganzen Filmnächte-Sommer durchbingen könnt.

Aufgrund der Hygiene-Auflagen müssen Konzerte noch aussetzen, für die richtige Stimmung sorgen stattdessen die Musik-Samstage (z. B. ein Bonbon für alle Chemnitzer Rammstein-Fans am 4.7. oder „Rocketman“ am 18.7.). Wenn ihr bei solchen musikalischen Filmen einfach selbst mitsingt, kommt vielleicht auch schon Konzert-Feeling auf! An den Freitagen und Sonntagen erwarten euch Entertainment-Garanten wie „Joker“ (am 10.7.; mein Lieblingsfilm letztes Jahr) oder „Knives Out“ (am 17.7.; Auweia, den muss ich endlich nachholen!). Aber auch erlesene Neuheiten wie der genüsslich gespielte „Emma“ (am 5.7.) werden euch die ungemütliche Corona-Zeit schnell vergessen lassen.

Fehlen darf auch die Donnerstagsreihe nicht – wer dieses Jahr mit Oscar-Gold ausgezeichnete Highlights wie „Jojo Rabbit“ (9.7.), „1917“ (30.7.) oder den koreanischen Überraschungs-Hit „Parasite“ (25.6.) noch nicht kennt, sollte sich die Spielzeiten unbedingt vormerken! Weitere Preisträger wie „Little Women“ haben wir für August bereits auf dem Zettel.

Juchu, es geht wieder los!

Mit Filmemachern in die weite Welt

Seid ihr genauso wie ich noch verunsichert bei dem Gedanken, direkt wieder ins Flugzeug zu steigen und die weite Welt zu bereisen? Und habt ihr genauso keinen Bock auf Autobahn-Staus und überfüllte Ostsee-Strände? Unser etablierter Outdoor-Doku-Montag bringt nicht bloß Urlaubsgefühle nach Chemnitz (Cocktails schlürfen im Liegestuhl!), sondern auch die dazugehörigen Gäste: Am 20.7. beispielsweise dürfen wir von Dennis Kailing höchstpersönlich erfahren, wie es so ist, die Welt auf dem Drahtesel zu umrunden. Ich schaff’s mit dem Rad zwar nicht mal den Kaßberg hoch, bin auf „Besser Welt als Nie“ aber trotzdem total gespannt!

Auch zu „Über Grenzen: Der Film einer langen Reise“ am 6.7. und „Couch Connections“ am 13.7. erwarten wir die Filmemacher selbst auf dem Theaterplatz, wo ihr ihnen Löcher in den Bauch fragen dürft.

Mulan, Tenet & Co.? Daumen drücken…

Tja, und wie geht’s weiter? Es ist kein Geheimnis, dass viele Filmverleiher noch zögerlich mit ihren Neustarts umgehen oder diese bereits verschoben haben. Das bedeutet leider, dass sowohl der neue Bond als auch „Wonder Woman 1984“ oder „Top Gun: Maverick“ erst 2021 über die Filmnächte-Leinwand flimmern werden.

ABER: Noch gibt es Hoffnung, dass Disney mit ihrer Live-Action-Variante von „Mulan“ und Christopher Nolans „Tenet“ unseren Blockbuster-Hunger noch in den Sommermonaten stillen werden. Bestimmt laufen die Telefone im Filmnächte-Büro bereits heiß, um mit Verleihern und Partnern zusammen eine flotte, hoffentlich positive Entscheidung herbeizuführen.

 „Alles, was ich für Sie habe, ist ein Wort: Ten…denziell“

In jedem Fall haben wir sämtliche Indie- & Festival-Neuheiten im Blick und versuchen auch, euch mit Berlinale-Hits wie „Undine“ oder „Berlin Alexanderplatz“ einige taufrische Kino-Erlebnisse präsentieren zu können.

Sommer ist, was auf unserem Platz passiert

Zwar ließen sich coronabedingte Einsparungen und eine Reduzierung des Platzkontingents nicht vermeiden, dies bringt sonderbarerweise aber auch ein paar Vorteile mit sich: Ihr habt mehr Platz, müsst beim Aufstehen über niemanden drüberkrabbeln und könnt erstmals auch zum normalen Preis regengeschützt sitzen (früh kommen sichert Plätze!). Und dass der Werbeblock geschrumpft ist, dürfte euch ebenso kaum stören…

Also, kommt alleine, als Pärchen oder Familie, von mir aus auch in mittelgroßen Scharen, bitte ohne Schnupfennase, dafür aber mit Maske im Gepäck und mit ganz viel Lust auf Kino, große Emotionen und auf laue Sommernächte. Bis dahin!

Es gibt keinen falschen Sommer, höchstens falsche Kleidung – aber wir haben auch nichts gegen etwas mehr Sonnenschein und wärmere Temperaturen als zur Eröffnung… 😉

Was denn jetzt noch…

Und wenn man nicht gerade das Charisma von Bjarne Mädel besitzt oder zufällig Regisseur des gezeigten Film ist, hören die Besucher einem wirklich zu? Die mäßig besuchten „Theaterplatz-Gespräche“ sowie unsere Moderation als Programmbeirat aus dem Vorjahr ließen mich zweifeln. Zudem kam „TUN“ kurz vor Saisonstart etwas ‚holterdipolter‘ ins Spiel und erschien mir erklärungsbedürftig (tatsächlich berichtete die Freie Presse zuerst mit Buchstabendreher „15 Minuten TON“ darüber).

Dinge, die gehört gehören!

Seit August 2019 ist es nun aber Realität, dass sich vor jeder Filmvorführung Vereine, Initiativen oder auch Privatpersonen mit ihren Herzensdingen präsentieren – und es funktioniert! Man wird nicht um seinen filmischen Feierabend gebracht, sondern erfährt ganz nebenbei, wofür sich Chemnitzer einsetzen, wofür sie brennen und was sie so halt so tun. Und darf das unterstützen, muss aber nicht.

Schon jetzt wird deutlich: „TUN – 15 Minuten für dein Projekt“ könnte ein fester Baustein des Filmnächte-Erlebnisses werden, auf den man als Gast immer wieder gespannt sein darf. Ein paar Eindrücke:

Persönliche Lieblingsprojekte des Kuratoriums

Für das stimmige TUN-Programm verantwortlich ist natürlich das fünfköpfige, ehrenamtlich engagierte Kuratorium. Mich hat interessiert: Bei den vielen Bewerbungen, welcher Kurator wollte welches Projekt unbedingt dabei haben? Lassen wir sie einfach mal zu Wort kommen…

Spendensparschwein Rosalie

Isabelle Weh, Leiterin des Fritz-Theaters in Chemnitz

Müsste ich ein Lieblingsprojekt wählen, wäre es das Spendenschwein Rosalie. Es erfüllt im Kleinen alle Kriterien für TUN, macht einen Menschen für einen kleinen Zeitraum glücklicher; jemand tut aktiv mit seinen Möglichkeiten etwas für andere und beweist, dass man einfach loslegen kann, ohne einen richtigen Verein oder eine Institution im Rücken zu haben. Meine persönliche Meinung ist eh, wenn jeder darauf achten würde, dass es den Leuten im eigenen Umkreis gut geht, dann würden diese Kreise immer weitere Kreise schlagen, bis sie irgendwann wieder bei uns selbst ankommen.

KARREE49

Malte Ziegenhagen, Kapitän der Niners Chemnitz

Für mich ist das KARREE49 ein sehr interessantes Projekt. Wie auch ich selbst, hat es sich zum Ziel gesetzt, auf dem Sonnenberg etwas zu bewegen und aufzubauen. Ich bin gespannt, wie die Organisatoren das Projekt planen und bezahlen, aber auch wie es möglicherweise einen Großteil der Einwohner des Sonnenbergs verpflegen kann. Gibt es Ideen, lokale Bürger mit einzubeziehen oder ist es ein autonomes Projekt, das als Privatunternehmen zu verstehen ist? Auf jeden Fall freue ich mich riesig, dass dieses Projekt bei TUN dabei ist.

Solidarische Landwirtschaft

Christian Fuchs, Journalist

Ich mag am meisten die Solidarische Landwirtschaft „Hof zur bunten Kuh“. Dort kommen Menschen zusammen, pflanzen, jäten und ernten gemeinsam an der frischen Luft. Wer miteinander Gemüse anbaut, hasst sich nicht. Und am Ende gibt es auch noch eine leckere Belohnung – fair und regional produziert.

Wahlkampf für die Demokratie

Ulrike Nimz, Journalistin

Besonders überzeugt haben mich die Buntmacher*innen und ihre Idee eines überparteilichen Haustürwahlkampfes, mit dem sie Nichtwähler überzeugen wollen, am 1. September doch noch ihr Kreuz zu machen. Zum ersten Mal gehört habe ich von der Initiative nach den rassistischen Ausschreitungen im August 2018, ich war als Reporterin vor Ort. So erschreckend die Ereignisse vor einem Jahr waren – sie haben auch dazu geführt, dass mehr Menschen Haltung zeigen und überlegen, wie sie das Leben in der Stadt mitgestalten können. Ich selbst habe fünf Jahre lang in Bernsdorf gewohnt und mag das Viertel noch immer. Auch deshalb ist mir das Projekt nah.

Lukas Stern e.V.

Michael Claus, Festivalleiter der Filmnächte Chemnitz

Neben dem bereits genannten Spendenschwein Rosalie ist mein Favorit der Lukas Stern e.V., deren Einsatz mich sehr berührt hat. Sie arbeiten beständig mit schwerkranken Menschen -vorwiegend Kindern- und erfüllen, unter sicher starken emotionalen Belastungen, deren manchmal auch letzte Wünsche. Ich habe selber Kinder und bin zutiefst betroffen von dem, was diese Familien durchmachen. Momente von Glück zu schenken, Beistand zu leisten und Wegbegleiter zu sein, ist eine kaum zu würdigende Leistung und zeigt ein Maß an Mitmenschlichkeit, das nachdenklich, demütig und zugleich Mut macht. Ich möchte dem Lukas Stern e. V. im Namen des gesamten Filmnächte- und TUN-Teams danken und hoffe, dass unser Beitrag dabei hilft, diese wichtige Arbeit zu unterstützen.

„Erwähnen möchte ich noch, dass ich glücklich darüber bin, dass unsere Besucher zum großen Teil aufmerksam die Projektvorstellungen verfolgen und jeden Tag Spenden gesammelt werden konnten. TUN wirkt! Mein Dank gilt überdies allen, die an TUN mitwirken, hervorgehoben sei mein Mitinitiator Volker Tzschucke / Zauberberg Medien und meine Mitstreiter im Kuratorium, welche sich allesamt ehrenamtlich engagieren.“ (Michael Claus, Festivalleiter der Filmnächte Chemnitz)

Im August 2019 wurde aus einer Idee auch Wirklichkeit: Festivalleiter Michael Claus und Mitinitator Volker Tzschucke zeigen die TUN-Spendenbox

Es sind zwei „Big Player“ im Kultfilm-Sektor, bewaffnet mit Ohrwürmern, Dancing-Skills und ganz viel Gefühl: der Tanzfilm „Dirty Dancing“ einerseits und die Musical-Verfilmung „Mamma Mia!“ andererseits. Beide sind fest verankert im Filmnächte-Kanon. Doch welcher hat im direkten Vergleich die Nase vorn? Ring frei für dieses Duell!

„Auf in den Kampf!“

Runde #1: Handlung und Schauspieler

Auch wenn keiner der verantwortlichen Drehbuch-Autoren mit bahnbrechenden Twists um sich wirft, funktioniert gerade „Dirty Dancing“ mit seiner romantischen Story rund um die beinahe erwachsene „Baby“ und Tanzlehrer Johnny Castle.

„Mamma Mia!“ hingegen folgt seiner Musical-Vorlage und gibt sich als überaus spaßige Verwechslungskomödie, die übrigens vor echter Urlaubs-Idylle in Griechenland gedreht wurde. Die sahnige Schauspieler-Riege rund um Meryl Streep, Colin Firth, Amanda Seyfried & Co. holt auch wirklich das Beste aus der konstruierten „Who’s Your Daddy?“-Handlung heraus, aber am Ende geht dieser Punkt knapp an Jennifer Grey und Patrick Swayze, die ihren eigentlich ebenfalls recht seichten Figuren viel Leben einhauchen.

Gewinner: Dirty Dancing

Sieger der Herzen: die ABBA-Urgesteine Benny Andersson und Björn Ulvaeus, die ihre Gastauftritte in „Mamma Mia!“ rocken (als Pianist und als griechischer Gott verkleidet!)

Runde #2: Erfolg und Beliebtheit

Wenn Hollywood-Stars die Pop-Hits von ABBA schmettern, singen auch die Filmstudios mit: „Money, Money, Money“! Mit 610 Millionen Dollar landete „Mamma Mia!“ im Startjahr 2008 auf Platz 3 der erfolgreichsten Filme. In Griechenland und Großbritannien genießt das Musical die größte Anerkennung und gilt dort als meistverkaufte DVD.

Fast 20 Jahre zuvor eroberte der Kontrahent „Dirty Dancing“ die Lichtspielhäuser (214 Millionen Dollar weltweit). Heute posiert er auf Platz 20 der erfolgreichsten Filme in Deutschland und darf mit einer Oscar-Trophäe für den besten Filmsong angeben.

Während „Dirty Dancing“ mit einer kurzlebigen Fernsehserie und einem verstoßenen Remake ohne würdigen Nachfolger lebt, beglückte 2018 die Neuauflage „Mamma Mia! Here We Go Again“ alle ABBA-Fans (mit moderatem finanziellen Erfolg).

Auf Bewertungsportalen fallen beide Kandidaten übrigens eher in die Schublade „Guilty Pleasure“: „Dirty Dancing“ müht sich bei IMDb auf 7,0, „Mamma Mia!“ erreicht nur 6,4 Punkte (die Metacritic-Scores sind mit 65 und 51 noch düsterer). Am positivsten ist der Audience Score auf Rotten Tomatoes mit 66% für „Mamma Mia!“ und durchschlagenden 90% für „Dirty Dancing“. Dem haben wir nichts hinzuzufügen…

Gewinner: (wieder) Dirty Dancing

Sieger der Herzen: Pierce Brosnan, der sich über eine goldene Himbeere als schlechtester Nebendarsteller „freuen“ darf

Runde #3: Musik und Tanz

Im Prinzip die Königsdisziplin, denn was wären diese Kultstreifen ohne Patrick Swayzes Mambo-Tanzkünste oder die schwedischen ABBA-Evergreens…? Eben, keine Kultstreifen!

Beide Werke brachten Songs mit enormer Ohrwurm-Qualität hervor, wobei sich „Mamma Mia!“ an der kongenialen Vorlage bedienen durfte und wohl jeder den ein oder anderen ABBA-Songtext im Langzeitgedächtnis abgespeichert haben dürfte (hier könnt ihr mitsingen!). „(I’ve Had) The Time of My Life“ allerdings schnappte sich 1988 den Oscar für den besten Filmsong und der „Dirty Dancing“-Soundtrack verkaufte sich wie gekühlte Wassermelonen im Hochsommer.

Unterm Strich jedoch ist nicht nur ABBAs mit Platin-Alben überquellende Diskografie der entscheidende Trumpf, sondern auch der mit verspielter Leidenschaft singende und tanzende „Mamma Mia!“-Cast. Verdienter Punkt!

Gewinner: Mamma Mia!

Sieger der Herzen: sämtliche Tanzsequenzen aus „Dirty Dancing“, die Mambo und Merengue wieder salonfähig machten

Bonus-Runde: Bei den Filmnächten

Beide Events scheinen bei den Filmnächten Chemnitz ein Abo auf gefüllte Sitzreihen und den begehrten Samstags-Slot gebucht zu haben. Vom allerersten Jahr an, also seit 2011, zieht besonders „Dirty Dancing“ die tanzwütigen Massen an – den Höhepunkt gab es 2017 mit 1006 Gästen! 2015 übrigens heizten rekordverdächtige 30 Grad zusätzlich die Stimmung an.

Die ABBA-Nacht ist zwar erst seit 2014 regelmäßig im Programm, knackte letztes Jahr mit 919 Besuchern aber ebenfalls die „ausverkauft“-Marke (da lief übrigens der neue Teil, „Mamma Mia! Here We Go Again“). Trotz eher ungemütlichen 14 Grad!

Bezüglich Rahmenprogramm, Deko und anschließender Party übertrumpfen sich beide Kontrahenten gegenseitig: synchron geschwungene Wunderkerzen, knallbunt gekleidete Gäste wie auch Mitarbeiter, vorgeschaltete Tanzkurse und tolle Show Acts auf dem Theaterplatz.

Welche der beiden Nächte dieses Jahr (2019) am schönsten war? Entscheidet selbst und werft einen Blick in unsere Foto-Galerie zu Dirty Dancing und ins Fotoalbum zu Mamma Mia!, bevor wir zur Duell-Auswertung kommen.

Gewinner: Beide!

Sieger der Herzen: „The Big Lebowski“, der Filmnächte-Kultfilm für die Männer

And the winner is…

Machen wir uns nichts vor. Vom Kultfaktor her ist natürlich „Dirty Dancing“ nicht zu überbieten, auch wenn „Mamma Mia!“ die größeren Ohrwürmer zu bieten hat und als amüsante Musical-Komödie auch Tanzmuffel begeistert. Trotzdem dürfen wir hier von einer klaren Entscheidung zugunsten des Tanzfilm-Urgesteins „Dirty Dancing“ sprechen!

„Sonne an, Film ab – Herzlich willkommen bei den Filmnachmittagen Chemnitz!“

… Naja, als Slogan ähnlich holprig wie so manche Wahlplakate. Aber zumindest halten wir unser Versprechen: Mit exquisitem Familienkino bespielen die Filmnächte jetzt auch tagsüber den Theaterplatz, und das zum ermäßigten Preis von 4 Euro! (jaja, Lounge und Abendkasse ist teurer)

Ist euch noch immer nicht geheuer, dass wir jetzt einen auf Cinestar, Bällebad und Jugendclub machen? Dann lest hier, was es mit dem Tageskino und der SCHLINGEL-Ferienkino-Woche auf sich hat.

Die Facts

Film-Marathon an jedem Wochentag

Vom 9. bis 16. August, also die ganze verbliebene Ferienwoche lang, flimmern jeweils drei Filme über den Theaterplatz: um 10.30 Uhr, 13.00 Uhr und 17.30 Uhr (bevor das reguläre Abendkino anschließt). Sonntag (11.08.) startet der erste Streifen ausnahmsweise erst 11.30 Uhr. Aber ihr seht: Unsere fleißigen Mitarbeiter-Bienchen sind den lieben langen Tag für euch und eure Kids am Start.

Den Anfang machten am Freitag (09.08.) „Die Unglaublichen 2“ von Disney Pixar

30 statt 18 Meter

Vorne thront eine LED-Leinwand, die stolze 30 Meter misst (12 Meter mehr als letztes Jahr!) und effektiv dem Tageslicht trotzt.

Schlanke 4 Euro

Wer im Vorverkauf zuschlägt (bis kurz vorm Einlass möglich), bezahlt 4 Euro (letztes Jahr waren’s noch 5). Plätze in der überdachten Lounge kosten 9 Euro. Tipp: Besonders gut sieht man tatsächlich im Parkett. Damit bleibt auch mehr Taschengeld übrig!

SCHLINGEL auf frischer Tat ertappt

Expertise für Kinder und junges Publikum steuert das Internationale Filmfestival SCHLINGEL bei, die für jede Altersstufe ein passendes Film-Bonbon organisieren konnten. Die „Ferienkino-Woche“ läutet SCHLINGEL-Direktor Michael Harbauer am Sonntag (11.08.) höchstpersönlich ein. Dazu läuft um 17.30 Uhr die preisgekrönte, französisch-belgische Komödie „Der kleine Spirou“.

Filmszene aus „Der kleine Spirou“

Ein Herz für aktuelle Filme

Mehr Slots im Programm sind immer gut! Heimliche Lieblinge des Filmnächte-Programmbeirats wie das Musical „Mary Poppins‘ Rückkehr“, das Drama „Club der roten Bänder – Wie alles begann“ (in Kooperation mit Lukas Stern e. V.) oder auch der französische Tierfilm „Mia und der weiße Löwe“ (mit ECHTEN Löwen, hört ihr, Disney!?) blieben somit vom Rotstift verschont. Ganz explizit auch für Erwachsene geeignet!

Sonnencreme und Wasserflasche dabei?

Wie uns diverse Wetterfrösche flüstern, bleiben die Temperaturen glücklicherweise (!) unter 30 Grad. Dennoch sollten Eltern für ihren Nachwuchs (und andersrum) an ausreichend Sonnenschutz denken. Tipp für alle Fälle: Ein Schirm dient gleichzeitig als Regen- und als Sonnenschutz! Und um nochmal die Mama raushängen zu lassen: Genug trinken! Bis zu 0,5 Liter Wasser dürft ihr problemlos mitnehmen. Selbstredend sind aber auch unsere Gastro-Mitarbeiter professionell geschulte Durstlöscher.

Hotdogs!

Wie jeder Familienmensch mit IKEA-Erfahrung weiß, lieben Kinder Hotdogs. Deshalb ergänzt das beliebte Fast Food tagsüber unsere Kinotheke, die natürlich auch Nachos, Popcorn und Eis enthält – hungern soll keiner! Als besonderes Tageskino-Angebot gibt’s zudem zwei Getränke (Schorle, Limo) und ein kleines Popcorn für 8 Euro. Abschließender Tipp vom Fachmann für müde Eltern: KAFFEE!

Schmeckt natürlich auch Erwachsenen: Hotdogs!

Zum Schluss noch 3 Fragen an…
Christin Franz (Pressearbeit SCHLINGEL)

Filmnächte meets SCHLINGEL – eine vielversprechende Kombination, gerade für die Sommerferien. Wie ist die Kooperation denn zustande gekommen?

Die Idee war schon lange in den Köpfen der Orga-Teams verhaftet. Allerdings harmonierten die Starttermine der Abendveranstaltungen nicht wirklich gut mit der Zielgruppe. Durch die neue LED-Leinwand bietet sich nun die Möglichkeit, auch tagsüber Filme zu zeigen. Damit können wir das Chemnitzer Publikum endlich auch im Sommer und Open Air vor wunderschöner Kulisse in den Genuss von SCHLINGEL-Filmen vergangener Editionen kommen lassen.

Im Programm, das wir bunt und abwechslungsreich für alle Altersklassen erstellt haben, findet sich natürlich auch der eine oder andere Festival-Preisträger! Wir wünschen schon jetzt jede Menge spannende, actionreiche und unvergessliche Filmmomente!

Sorgt dafür, dass der SCHLINGEL in aller Munde ist: Christin Franz

Irgendwann ist immer das erste Mal: Können Sie einen Tageskino-Film für jüngere Kinder empfehlen, die noch nie im Kino waren?

Für Kinder ist ein Kinobesuch immer überaus aufregend. Eine Filmvorführung unter freiem Himmel zu erleben, ist einmal mehr ein großes Abenteuer, welches man den Kleinen nicht entgehen lassen sollte.

Wir favorisieren den Beginn der medialen Bildung bereits ab dem Vorschulalter. Speziell beim Kino bietet sich ein einzigartiges Gemeinschaftserlebnis inklusive der Möglichkeit für Diskussion und Austausch. Für ab 5-Jährige haben wir folgende Titel ins Programm gepackt: „Pettersson und Findus – Findus zieht um“ ist ein wirklich zauberhafter Film. Nicht nur der sprechende, freche und überaus quirlige Kater Findus, sondern auch der alte Pettersson werden die Herzen der Kinder im Sturm erobern. Für Mutigere, die Action lieben, empfehlen wir „Mullewapp – Eine schöne Schweinerei“, bei dem es um drei Tiere eines Bauernhofes geht, die kurz vor der großen Geburtstagsfeier plötzlich unschönen Besuch bekommen.

Oder aber unser Kurzfilmprogramm „SCHLINGELs kesse Kurzfilm-Knirpse“. In 2- bis 12-minütigen Filmen erwachen beispielsweise nachts die Bausteine oder Schneemänner wollen plötzlich einfach mal in den Urlaub. Jede Menge Spaß und viele Entdeckungen sind hier vorprogrammiert.

Wenn sich Schüler*innen über 12 Jahren in der letzten Ferienwoche nur einen einzelnen Film geben wollen, welchen würden Sie vorschlagen?

Je nach Interessenslage decken die Streifen für ab 12-Jährige verschiedenste Themenbereiche ab. So ist „Rock my Heart – Mein wildes Herz“ mehr als ein einfacher Pferdefilm. Auf berührende und mitreißende Weise wird die Geschichte von Familie, Freundschaft und dem Glauben an sich selbst erzählt. Im Zentrum stehen dabei der titelgebende Vollbluthengst „Rock my Heart“ und die 17-jährige Jana; beide Seelenverwandte, beide wild und rebellisch.

Der Film „Dessau Dancers“ hingegen bewegt sich auf der musikalischen Schiene und gibt überaus interessante Einblicke in die Breakdance-Szene der 80er Jahre in der DDR. Der Film punktet mit einer interessanten Story, sympathischen Figuren und schmissiger Musik. Mit „Club der roten Bänder – Wie alles begann“ kommt nun die Vorgeschichte zur erfolgreichen TV-Serie auf die große Leinwand. Auch der Kinofilm basiert auf den Erlebnissen des spanischen Erfolgsautors Albert Espinosa und berührt sicher jeden Zuschauer.

Ich bin mir sicher, für jeden ist etwas dabei. Also, schnappt euch eure Freunde und verbringt eine entspannte Kino-Zeit mit SCHLINGEL-Filmen bei den Filmnächten auf dem Theaterplatz.

Egal, ob ihr dem kleinbürgerlichen Gebäudereiniger Heiko Schotte schon verfallen seid oder bisher kaum Berührungspunkte mit der kammerspielartigen TV-Serie hattet, hier kommen 5 Tatortreiniger-Folgen, die man unbedingt gesehen habe sollte (in chronologischer Reihenfolge)!

Eine Übersicht zu allen Folgen findet ihr übrigens auf der Website vom NDR.

Schottys Kampf (Folge #7)

Klar doch, der Nationalsozialismus war eine große Idee, die in den Kinderschuhen stecken geblieben ist… Mit solchen Thesen, aber auch mit einer modernen Hakenkreuz-Variante und Grobian ‚Bombe‘ ärgert sich Tatortreiniger Schotty im Hinterzimmer eines Heimatvereins herum. Hier soll er die Überreste eines von der Leiter gestürzten Neonazis wegputzen. Doch damit begnügt er sich nicht…

Dank perfekten Pointen, furios aufspielenden Nebenrollen und einfallsreicher Visualisierung zu Recht eine mit Kritikerlob und Awards überhäufte Folge aus der zweiten Staffel!

Auszeichnungen:

• Grimme-Preis 2013 in der Kategorie „Unterhaltung“
• Civis – Europas Medienpreis für Integration 2013 in der Kategorie „Fernsehen/Unterhaltung“

Angehörige (Folge #8)

Kann sich eine Episode zum Großteil in einer Kiste abspielen? Regisseur Arne Feldhusen drohte zuerst am unkonventionellen Drehbuch zu verzweifeln, zauberte dann aber doch ein Glanzstück auf den TV-Bildschirm. Statt Tod, Blut und Dreck trifft der Tatortreiniger in der makellosen Wohnung eines Zauberers auf „Fanny Fee“, einen engen Freund des Verstorbenen. Florian Lukas spielt den Homosexuellen nah am Klischee, letztlich aber doch mit viel Sorgfalt und Profil.

Unterhaltsam beleuchtete Themen wie Elternschaft, Schubladendenken und Selbstwertgefühl machen „Angehörige“ zu einer besonderen Empfehlung, auch wenn die Folge vielleicht der ‚typischste‘ Vertreter in unserer Liste ist.

Auszeichnungen:

• Deutscher Regiepreis Metropolis 2014 in der Kategorie „Beste TV-Serie“ an Regisseur Arne Feldhusen

Der Fluch (Folge #17)

‚Schotty, der Schrecken aller Flecken, der putzt Schnecken aus den Ecken‘ – jep, diesmal sind sind weniger die Denker, mehr die Dichter gefragt! Als ihn sein neuster Auftrag in ein verwunschenes Schloss führt, verdonnert der titelgebende Fluch unseren norddeutschen Putzer dazu, unentwegt zu reimen. Wie sich später ein Gorilla in die Story einreiht und auf welches Wort sich absolut nichts zu reimen scheint, solltet ihr unbedingt selbst erleben!

„Der Fluch“ fällt mit seiner wahnwitzigen Reimkunst völlig aus dem Rahmen und wird gerade deshalb von Fans so gefeiert. Der Erlkönig wäre stolz!

Auszeichnungen:

• keine, aber hier braucht’s auch kein solches Geschleime!

Pfirsich-Melba (Folge #21)

Vanilleeis, dazu Pfirsich-Scheibchen und Schlagsahne – selbst wenn Schotty die blutigen Überreste des ermordeten Eiscafé-Besitzers Alfredo wegwischt, dürftet ihr in „Pfirsich-Melba“ Appetit auf leckeres Eis bekommen. Das wahre Highlight ist aber die Episodenrolle von Björn Meyer, der mit viel Fingerspitzengefühl einen unsicheren Autisten spielt. Über eine brenzlige Situation im Kühlraum und die bewegende Auflösung wollen wir an dieser Stelle jedoch nichts verraten.

Was sich in einer gewöhnlichen Eisdiele mit schlagartig wechselnder Tragik, Komik und Suspense abspielt, ist ganz großes Fernsehen!

Auszeichnungen:

• Preis der Deutschen Akademie für Fernsehen 2016 in der Kategorie „Bester Schauspieler – Nebenrolle“ an Björn Meyer
• die vielleicht höchstmögliche Würdigung: Bjarnes persönliche Lieblingsfolge!

Sind Sie sicher? (Folge #25)

So, Verschnaufpause ist vorbei! Nach dem philosophischen Larifari aus den bisherigen Folgen wird jetzt wieder tüchtig geschrubbt – und zwar unter Aufsicht des strengen Geschäftsführers einer Consulting-Firma. Dort werden Toilettengänge per Stoppuhr gemessen und Mitarbeiter mit Psychospielchen an ihre Grenzen getrieben. Auch Tatortreiniger Heiko Schotte sieht sich schließlich damit konfrontiert: Hat sein Chef hier tatsächlich einen Mitarbeiter-Evaluationstest in Auftrag gegeben?

Eine brillant mit Bluffs und Wortwitz gespickte Abrechnung mit karrieregeilen Arbeitstieren und dem Leistungsdenken unserer Gesellschaft. Toll, dass die Serie auch in der vorletzten Staffel noch richtig glänzt!

Auszeichnungen:

• 2018: Deutscher Menschenrechts-Filmpreis 2018 in der Kategorie „Bildung“ an Drehbuchautorin Ingrid Lausund aka Mizzi Meyer

Sicher habt ihr eure eigene Lieblingsfolge? Oder seid ihr als Neueinsteiger zumindest neugierig geworden? Lest gerne weiter, wenn ihr in der Region Chemnitz wohnt…

Die letzte Staffel zur großen Tatortreiniger-Seriennacht

Dass nicht nur das Filmnächte-Team, sondern auch die Chemnitzer riesige „Tatortreininger“-Fans sind, haben sie 2018 eindrucksvoll bewiesen. Ein bis auf die letzte Bierbank besetzter Theaterplatz, dazu die unermüdlichen Stars Bjarne Mädel und Arne Feldhusen live vor Ort – unvergesslich.

Was soll man anderes sagen als: DANKE für diesen Abend, danke für diese Serie!

Dieses Jahr (am Dienstag, den 6.8.) wird die finale Staffel gezeigt. Richtig gehört, nach insgesamt 31 Folgen ist leider endgültig Schluss. Für das große Serienfinale, die unkonventionelle „Einunddreißig“, gab es sogar noch eine Grimmepreis-Nominierung für die „Kunst, eine Serie zu beenden“.

Außerdem tauchen dort allerhand bekannte Gesichter (25 Figuren!) aus früheren Staffeln auf. Sogar Regisseur Arne Feldhusen hat einen Mini-Auftritt.

Vor dem Finale: Diese Folgen sollte man noch gesehen haben

Die obenstehenden 5 Empfehlungen sind bereits ein gutes Fundament, aber folgende Episoden solltet ihr euch zusätzlich reinziehen, um möglichst viele Anspielungen der letzten Staffel mitzunehmen:

• Ganz normale Jobs (Folge #1): Damit fing 2011 alles an! Und die Eröffnungsfolge macht heute immer noch großen Spaß. Einen Anteil daran tragen auch zwei Ermittler aus „Polizeiruf 110“, deren Cameo-Auftritte sich bis zum Serien-Ende durchziehen.
• Bestattungsvorsorge (Folge #19): Die beiden zankenden Bestatter sind wohl die am häufigsten auftretenden Sidekicks, die hier eine komplette Folge spendiert bekommen. Natürlich schneien sie auch in der allerletzten Episode vorbei.
• Freunde (Folge #24): Eine illustre Clique besteht rund um den Tatortreiniger, die man hier auf amüsante Weise kennenlernt. In Folge #29, „Rebellen“, kommen die Freunde abermals zusammen und philosophieren über -haltet euch fest- Filzgleiter.
• Anbieterwechsel (Folge #22): Ständig wird über sie gesprochen: Schottys Angebetete, Merle. Am Ende von „Anbieterwechsel“ begegnen wir ihr endlich und fiebern bei einer Liebeserklärung mit… Im Serienfinale spielt sie dann eine Schlüsselrolle.